L’INTEGRAZIONE+DEI+LINGUAGGI+ANALOGICI


 * L’INTEGRAZIONE DEI LINGUAGGI ANALOGICI || [[image:http://www.artiterapielecce.it/images/M_images/pdf_button.png align="middle" caption="PDF" link="@http://www.artiterapielecce.it/index2.php?option=com_content&do_pdf=1&id=295"]] || [[image:http://www.artiterapielecce.it/images/M_images/printButton.png align="middle" caption="Stampa" link="@http://www.artiterapielecce.it/index2.php?option=com_content&task=view&id=295&pop=1&page=0&Itemid=132"]] || [[image:http://www.artiterapielecce.it/images/M_images/emailButton.png align="middle" caption="E-mail" link="@http://www.artiterapielecce.it/index2.php?option=com_content&task=emailform&id=295&itemid=132"]] ||


 * di ** Niccolò Cattich ** e **Giuseppe Saglio**

Nella prassi delle artiterapie vengono utilizzati i linguaggi dell’espressione artistica, su cui si basa anche l’attività dell’arte e dell’artista. Una definizione di arte è oggi di fatto problematica, alla luce della rivoluzione avvenuta nel ‘900 a partire dalla disgiunzione del concetto di bello da quello di arte, per arrivare all’idea che possa essere un’esperienza artistica il semplice fruire di un evento naturale, svuotando di senso il concetto di artista. In realtà nel campo in cui ci stiamo muovendo la presenza di un soggetto artista risulta imprescindibile nella concezione dell’idea dell’arte, essendo una premessa necessaria il fatto che ci sia l’espressione trasmissibile di una soggettività. Questo fenomeno – l’espressione di sé – si manifesta sia nel caso di un’opera d’arte sia nel caso della semplice espressione del proprio stato affettivo attraverso un linguaggio artistico, espressione artistica appunto. Abbiamo in precedenza considerato la figura del artista geniale; ma abbiamo anche ricordato che si può essere artisti anche senza risultare innovatori. Quando l’espressione della propria soggettività trascende la sfera della propria dimensione personale e trasmette contenuti emotivi negli altri, si supera il confine dell’espressione artistica e si entra nella dimensione dell'Arte, tanto nettamente quanto più ampio ed intenso è il coinvolgimento nella fruizione dell’opera. Come se l’artista si trovasse a svolgere un ruolo anche per chi risuona emotivamente con la sua creazione, svelando, liberando, legittimando quelle emozioni anche per gli altri. E’ l’idea della funzione sociale dell’arte. Questo vorrebbe dire che non sia necessariamente arte tutto ciò che venga espresso attraverso un linguaggio artistico da parte di chiunque. La presenza di un “talento” innato nell’esprimersi con uno specifico linguaggio, di un’intelligenza intuitiva spesso molto lontana dai domini della razionalità e infine di un urgente bisogno di esprimere aspetti di sé non altrimenti “dicibili”, uniti insieme potrebbero essere la base del patrimonio psicologico di un artista, a disposizione del suo Sé Creativo. Un artista che spesso non ha come priorità la comunicazione di un messaggio consapevole; piuttosto invece la necessità di mettere fuori e davanti a sé qualcosa di intenso e ingombrante cresciuto dentro e non più trascurabile, su cui non può più tacere anche se non ha chiaro di cosa si tratti, per averne un controllo migliore; oppure l’esibizione narcisistica del proprio sé nella sua globalità talentuosa per mascherarne la vulnerabilità intollerabile.

La conoscenza che l’uomo ha del mondo e di sé è filtrata da un bisogno prepotente, quello di mantenere i propri schemi intatti. Ciò infatti è rassicurante e molto meno faticoso che confrontarsi continuamente con le modifiche che dovremmo apportare, se stessimo davvero attenti ai dati della realtà, ai rimandi e ai feedback che arrivano dallo svolgimento di tutte le nostre attività. Così la nostra intelligenza è messa continuamente a dura prova dai nostri stessi automatismi psichici, che ci portano a selezionare le informazioni favorendo quelle che confermano le nostre convinzioni piuttosto che quelle che le mettono in crisi. Alfred Adler chiamò questo fenomeno appercezione tendenziosa. Quando qualcosa di insolito ci accade intorno, che sia spiacevole o meno, il nostro bisogno di sicurezza, la nostra necessità di restare a galla nell’immensità degli stimoli che arrivano dal mondo ci impone di assimilare quel qualcosa ad un’esperienza già fatta, ad un’immagine familiare, ad un’ idea già pensata e digerita che faccia parte delle nostre certezze esistenziali. La nostra mente cerca velocemente in un vasto catalogo, tanto più ampio quanto più abbiamo vissuto, in cui è conservato un repertorio personale di pensieri e credenze già concepiti in precedenza in qualche occasione passata, pre-concepiti, preconcetti. In realtà c’è un meccanismo ancora precedente a questo, quando siamo in difficoltà di fronte ad un fatto che non possiamo facilmente classificare secondo i nostri preconcetti. Si tratta della scissione degli elementi della realtà che nel loro insieme ci turbano troppo, sia per la loro complessità sia per il fatto che ci smuovono emotivamente aspetti di noi stessi difficili da accettare o gestire. La scissione è un meccanismo universale che ci serve per “mettere in ordine” ciò che ci fa sentire confusi, semplificando ciò che è complesso a scapito però della realtà e della naturale complessità di ciò che è reale. Credere nel bianco e nel nero in un mondo fatto di grigi ci permette l’illusione di avere il controllo su quello che può accadere improvvisamente, per attribuire comunque e sempre la responsabilità del male che ci colpisce a qualcuno così da poter eliminare quel male, colpevolizzando e colpendo quel responsabile. Molte volte ingiustamente. Il Bene e il Male. I buoni e i cattivi. Che impresa per l’Uomo sopravvivere in una realtà così complessa potendo contare su una potenza fisica risibile. Quando l’uomo si sente impotente è sempre pronto a distruggere, per dimostrare a se stesso di avere quel potere che sente mancargli, e semplificare, scindere, separare, è una sottile maniera di distruggere le relazioni che esistono naturalmente tra i dati di realtà. Ma anche che meraviglia desta la capacità umana di comprendere questa realtà e di goderne la pienezza, quando resiste alla tentazione di classificare secondo i propri pre-concetti ma soprattutto quando è disponibile a cogliere la realtà nella sua interezza invece di ostinarsi ad osservarne i particolari con il pretesto di una scientificità non sempre, continuamente, necessaria. Entrare in relazione con un’altra persona non richiede un approccio scientifico di per sé, come anche non è utile alla relazione stessa porsi in modo affettivo acritico e disinibito. L’atteggiamento che funziona meglio è sempre quello dell’attenzione e dell’ascolto, attenzione a tutto quello che ci arriva dall’altro secondo un ascolto globale, delle parole ma anche di tutto ciò che l’altro esprime in qualsiasi altro modo, così da poterlo sentire e non solo sbrigarsi a classificarlo, mettendolo in qualche casella già ingombra di tanti altri nomi e impressioni di persone. Fare questo lavoro controcorrente è un’operazione intensamente creativa. Resistere agli automatismi cognitivi è un’impresa dell’intelligenza. Però che fatica. Vivere in una realtà come se fosse una superficie a quadretti è più rassicurante per certi versi che muoversi su una superficie totalmente libera, senza punti di riferimento. Gli europei in America hanno sempre vissuto un’esperienza straniante, immersi nella vastità di una natura indifferente alla loro presenza, e si sono affrettati sempre a costruirsi delle rassicuranti roccaforti a quadretti per sopravvivere in quel mare di pianure e catene montuose sconfinate, mettendo dei confini, a qualsiasi cosa. Laddove nel Vecchio Mondo gli spazi limitati obbligano ancor oggi a confrontarsi ad imparare gli uni dagli altri rendendo più difficile la creazione di isole culturali. Ma si può chiedere alle persone di mettere continuamente in discussione i propri giudizi su quello che succede intorno? Credo sia impossibile. Ma neanche è ammissibile ignorare la propria vulnerabilità ed i meccanismi che ci portano a risultare ingiusti. Scindere, separare, pre-giudicare, pre-concepire serve a sopravvivere nella quotidianità ma non rappresenta il meglio del nostro essere Homo Sapiens.

L’espressione artistica però si pone di traverso a tutto questo. Se da una parte il linguaggio verbale, nel suo essere precisamente significante, indica in maniera ineludibile ciò che si intende comunicare, dall’altra l’espressione artistica evoca una realtà interiore – psichica – senza poterne definire con esattezza i contorni. Nello stesso tempo, la precisione del linguaggio verbale nel suo essere adatta a razionalizzare i dettagli, favorendo la chiarificazione e la consapevolezza, concentra l’attenzione su singole parti di un tutto più agevolmente rappresentato invece dall’espressione artistica, specialmente se non-verbale. Uno stato emotivo, un sentimento, una condizione esistenziale, possono essere spiegati dalle parole, ma sono efficacemente trasmessi all’altro dalla comunicazione non-verbale. Non solo, ma anche la complessità e l’interezza di un vissuto possono essere colti ed espressi più immediatamente e con intensità convincente da un messaggio simbolico, che sintetizzi privilegiando l’essenza dell’esperienza emotiva, trascurando i dettagli non necessari al coinvolgimento affettivo quando addirittura non siano distraenti o di ostacolo alla ricezione del messaggio della persona che vuole esprimere e comunicare il proprio stato d’animo. Per questo probabilmente in psicoterapia i momenti che il paziente ricorda più facilmente e volentieri sono quelli in cui il terapeuta, usando una metafora felice e acuta, riesce a trasmettere il senso di un’interpretazione al di là di una spiegazione puntuale ma ottusa. Dipingendo con le parole una scena come fosse un quadro simbolista, il terapeuta aiuta il paziente ad intuire una verità nascosta nelle pieghe del passato evitando di metterlo crudamente davanti ad uno specchio se questi non può permetterselo, come spesso accade. E spiegare complessi meccanismi cognitivi alla base del funzionamento della psiche può risultare molto interessante per un paziente intelligente e curioso, però di rado ciò risulta terapeutico; cioè in genere non fa scattare l’intuizione sulla possibilità di cambiamento.

Giovanni era in terapia da più di un anno, ma il suo analista non aveva ancora trovato il modo e il momento di passargli un’interpretazione essenziale e per questo molto intensa e rischiosa. Allattato al seno fino ai 4 anni di età da una madre onnipresente, aveva sviluppato una personalità dipendente e insicura nonostante i lodevoli tentativi di emancipazione nel corso dei suoi quasi 50 anni. Finché nel corso di una seduta, mentre Giovanni si lamentava della mancanza di attenzione da parte degli altri nei suoi confronti che gli impediva di realizzare le proprie fantasie lavorative, lo psicoterapeuta gliene rimandò una propria di fantasia, una scena di cui il paziente era protagonista, descrivendola con benevolo humour: “Mi sembra di vederla sorpreso ed irritato, guardarsi in giro chiedendosi dove sia andata a finire la tetta…”. Per quanto colpito e turbato, Giovanni non potè non sorridere e riflettere per giorni su questa scenetta profondamente empatica e veritiera, ma anche divertente nell’amarezza che gli suscitava.

Anche nell’arte viene insegnato che la poesia e la prosa funzionano particolarmente quando le parole servono le immagini, quasi pennelli e punte fini che tracciano con maestria immagini, queste vere portatrici di emozioni e vissuti. Oppure quando le parole suonano a prescindere dal loro significato. Ma meglio ancora è quando il significato delle parole e la dimensione analogica da queste evocata convergono rinforzandosi a vicenda nel donare all’altro la suggestione di un qualcosa profondamente vivo.

L’integrazione dei linguaggi analogici Per quanto esposto finora, la separazione concettuale del non-verbale in tre campi distinti, se pur giustificata dal substrato neuropsicologico piuttosto distinto, va comunque considerata una finzione per rendere più comodo l’avvicinarsi alla complessità della dimensione analogica. Cioè non dobbiamo credere che la comunicazione attraverso il canale sonoro-musicale sia indipendente da quella che avviene tramite la sensibilità propriocettiva-corporea o il canale percettivo della visione. In realtà i collegamenti e il riverbero da un’area cerebrale all’altra sono continui ed incessanti, così che la consapevolezza di un vissuto qualsiasi in relazione ad uno stimolo sensoriale può essere focalizzato solo dopo che quello stimolo è andato ad interagire e a stimolare diverse zone del cervello provocando ulteriori associazioni e connessioni. Per questo la realtà può essere percepita nella sua interezza più adeguatamente restando nella dimensione del non-verbale, e solo successivamente può essere ripresa ed analizzata dalla ragione e dalla coscienza. Questo delicato passaggio è molto spesso necessario, cioè passare dalla percezione globale ma solo intuitiva a quella parziale ma più precisa, se vogliamo assumere maggiore controllo delle nostre esperienze emotive ed artistiche, conservandole nella memoria cosciente. Ma l’integrazione dei linguaggi non-verbali è prioritario se vogliamo riuscire a cogliere il più possibile ed in modo essenziale della realtà esterna. Ciò non significa però che le terapie analogiche possano giovarsi della integrazione fra i suddetti canali espressivi in modo indiscriminato. Quanto più complessa o elaborata risulta la modalità espressiva non-verbale tanto meno è fruibile con agevolezza

Ascolto musicale e colori Questa tecnica di mia ideazione mi è stata suggerita dalla necessità di agevolare la fruizione dell’ascolto musicale a scopo riabilitativo o terapeutico, con i pazienti psicotici ma anche per le persone con difficoltà a mentalizzare i propri vissuti affettivi. Si basa su alcuni principi della Musicoterapia Recettiva Analitica, ma si avvale dell’utilizzo di pezze di tessuto colorato in tinta unita quale importante integrazione espressiva alla verbalizzazione sull’ascolto dei brani musicali. Al momento di esprimere il proprio vissuto rispetto all’ascolto del singolo brano, ciascun membro del gruppo, oltre a dire qualcosa su questo, deve scegliere due o tre pezzi di stoffa a seconda della consegna data dal conduttore in quella seduta, e porli sul pavimento al centro del gruppo. La scelta va fatta mettendo in relazione diretta il brano musicale con il colore/ colori scelti.. Una volta raccolti tutti i pezzi di stoffa, il conduttore li dispone sempre sul pavimento secondo un criterio coloristico che rimane costante nel corso delle sedute. Nel tentativo di individuare una discreta oggettività rispetto al vissuto medio generico che i diversi colori suscitano, propongo la differenza tra luminosità (bianco, giallo, arancio, rosa, celeste) e oscurità (nero, blu, marrone, viola, grigio) passando dal verde, azzurro e rosso quali colori in una posizione intermedia, e quindi la differenza fra colori caldi (giallo, arancio, rosso, rosa) e freddi (nero, blu, azzurro, grigio, bianco) considerando i rimanenti in una condizione intermedia. Aggiungo inoltre la discriminazione fra colori più intensi (rosso, arancio, azzurro, blu, giallo, viola, nero) e più tenui (rosa, celeste, grigio). Inoltre in ciascun gruppo è opportuno stilare una griglia di traduzione soggettiva dal colore al vissuto, per individuare quelle correlazioni che risultano molto lontane dalla media statistica. In questo modo è possibile avere un’immagine concreta, data dalla macchia di colore distesa sul pavimento, in cui spesso risaltano alcune prevalenze giocate sugli assi chiaro/scuro, caldo/freddo e intenso/tenue di per sé metaforici relativamente al vissuto che il brano musicale suscita, conservando sia l’individualità dei singoli membri del gruppo che valorizzandone l’integrazione quale risultato concreto di quella gruppalità specifica. Sulla base della mia esperienza ho potuto verificare alcune relazioni significative tra i colori e alcuni vissuti: Rosso - Passione, Amore, Pericolo, Rabbia Giallo - Eccitazione, Superficialità, Allegria, Attivazione corporea Arancio - Vitalità, Affettività profonda, Contaminazione del rosso con il giallo (Insufficienza) Verde - Serenità, Tranquillità, Armonia Blu - Raziocinio, Spiritualità, Distacco, Profondità di pensiero Azzurro - Libertà, Freschezza, Ottimismo, Viola – Inquietudine, Penitenza, Sensualità, Turbamento, Indecisione Celeste – Infanzia, Leggerezza, Insufficienza Rosa – Tenerezza, Vacuità, Superficialità Marrone – Tristezza, Protezione, Vecchiaia, Trascuratezza, Bianco – Vuoto, Purezza, Invadenza, Nero – Profondità, Mistero, Vuoto, Paura Grigio – Depressione del tono dell’umore, Insufficienza grave, Anonimato

Osservare, fotografare, conservare e mostrare ciascuna immagine equivale a vedere concretizzato il lavoro che ciascuno, all’interno del proprio gruppo, ha potuto fare grazie e attraverso la musica sulla propria affettività, lasciando alla dimensione verbale lo stretto necessario perché tale affettività possa emergere nella coscienza, a tutto vantaggio della consapevolezza di sé.

Fabio aveva portato alcuni brani per descriversi al gruppo, ed aveva ricevuto in cambio, come rispecchiamento visivo, delle composizioni colorate in cui progressivamente rosso, giallo e arancio cedevano il posto al blu e al nero, finché il 4° brano risultava definito da pezzi di stoffa scuri e freddi. L’ipotesi interpretativa secondo cui la sua apparente vitalità e disponibilità affettiva nasconda un nucleo depressivo non gli era nuova, ma vedersela rappresentare davanti agli occhi, letteralmente, lo ha portato a pensare molto nelle settimane successive, a rendersi conto della necessità di affrontare un profondo vissuto di perdita che pensava di aver esorcizzato senza averne parlato a sufficienza durante la sua psicoterapia individuale, per altro ancora in corso

Sabina è tecnico della riabilitazione psichiatrica, e nella ricerca di nuove modalità di trattamento dei pazienti psichiatrici si è confrontata con la musicoterapia recettiva integrata con l’uso del colore. Dopo l’ascolto di un brano proposto dal conduttore, e dopo che ciascuno aveva scelto le proprie stoffe colorate mettendole al centro, Sabina aveva avuto la possibilità di creare una sua composizione artistica scegliendo i colori che preferiva fra tutti quelli disposti al centro del gruppo, radunato in circolo. Era il suo gruppo da più di un anno, ed insieme stavano facendo un percorso didattico impegnativo perché contemporaneamente profondo, esplorativo del proprio mondo affettivo come dovrebbe essere qualsiasi percorso formativo nel campo della relazione d’aiuto. Per questo il conduttore – docente e psicoterapeuta – decise di restituirle qualcosa che andasse oltre il tecnico, ma che potesse risultarle utile quale rispecchiamento del proprio stile di vita. Sabina è cattolica praticante, intelligente ed attenta, sempre disposta a mediare nell’interesse del gruppo e della creatività sacrificando a volte l’autoaffermazione. Non valorizza la propria esteriorità ed è rivolta ai valori morali; è consapevole del suo conflitto interiore fra il piacere e l’astinenza dallo stesso. In quell’incontro lei scelse il bianco e il celeste facendone un cordone con cui circoscrivere uno spazio, al cui interno dispose tre mucchietti di rosso, arancio e giallo mischiati fra loro. Quel giorno aveva raccontato che era in procinto di fare una vacanza a Lourdes insieme a sua madre e a sua zia. Per questo il conduttore le propose un’immagine che aveva in mente grazie a quella composizione: gli sembrava la rappresentazione stilizzata e simbolica della grotta di Lourdes con all’interno tre anime del Purgatorio. Sabina non potè evitare di sorridere, anzi di ridere con leggera arguzia insieme al gruppo. Mai nessuno di loro si era espresso sullo stile chiaramente religioso e rivolto alla spiritualità di Sabina, rispettandone autenticamente la scelta; però in quell’occasione fu possibile dirsi qualcosa in proposito attraverso l’interpretazione del docente/terapeuta ed il tramite di un’immagine metaforica e di un ridere condiviso ed empatico.

Quando il conduttore non ha competenze psicoterapeutiche, e cioè non può avventurarsi in una restituzione interpretativa, al posto di una prevalente verbalizzazione è indicato un altro tipo di elaborazione da parte di ciascun membro del gruppo, che utilizzerà almeno una volta, nel corso dell'incontro, le stoffe poste al centro dopo ogni brano, per realizzare una composizione secondo il proprio gradimento, a prescindere da qualsiasi collegamento con la musica ascoltata, così da attenuare la tensione dovuta all’eventuale frustrazione di un’individualità trascurata dal gruppo in quella seduta.

E’ interessante focalizzare due concetti impliciti in questo tipo di lavoro di integrazione analogica: il terapeuta madre e le parole analogiche.

Il terapeuta-madre La terapia che propone al paziente una esperienza integrata di ascolto musicale e scelta cromatica di stoffe, diverse per colore ma anche per consistenza, offre la possibilità di interagire con i suoni, i colori e gli aspetti tattili e rimanda al mondo ludico della primissima infanzia. La terapia suoni-colori-tatto aderisce al mondo emotivo primario, di cui il gioco con oggetti risuonanti e colorati è espressione e sfogo, nonché preparazione indispensabile alla maturazione della fase linguistica dello sviluppo. Attraverso il gioco con colori-suoni-forme il bambino in età prelinguistica sperimenta modalità e possibilità espressive, in cui affettività e cognizione hanno una manifestazione evidente ed immediata, con spiccate caratteristiche di creatività e spontaneità. Il paziente che partecipa a una seduta di terapia analogica integrata si trova a vivere una situazione emotiva di tipo ludico primario ma in modo bonificato e appagante, laddove la sua esperienza della prima infanzia era stata invece dolorosa e negante. Il terapeuta conduttore rappresenta una figura di tipo materno, che sollecita e guida il gioco ma nel contempo garantisce la libera espressione di ciascuno, che accompagna ma non costringe, che protegge da esplosioni affettive intollerabili. Il terapeuta-madre veicola l’esperienza emotiva, la accoglie e successivamente la elabora in modo semplice e comprensibile; la seduta rappresenta una tappa di sviluppo e di conoscenza della propria identità, di sperimentazione delle proprie emozioni, ma in una situazione protetta e garantita dalla funzione materna terapeutica. Nel corso della terapia il paziente può riattivare alcune risorse sopite o ritrovare le tracce di quelle perdute; la seduta terapeutica è scoperta e riscoperta di un Sé remoto (quello della primissima infanzia) che si compone in modo più integro e funzionante. Se la modalità terapeutica analogica permette al paziente di aprirsi alla possibilità di stabilire un collegamento tangibile e visibile con il mondo esterno e con l’alterità, la presenza materna del terapeuta è la garanzia indispensabile che questo collegamento sia tollerabile e accettabile, e non abbia effetti dirompenti sulla fragilità sofferente del paziente stesso. Il paziente psicotico può vivere così una esperienza di tipo primario sana e risanante, che ricalca il mondo infantile primario nella forma ma lo rinnova profondamente nella sostanza. Il duplice canale espressivo dei suoni e dei colori ad essi abbinati, garantisce il paziente in due sensi: a) il paziente si sente protetto dall’avere a disposizione un veicolo espressivo che può compensare l’altro, per cui l’ansia da prestazione in una modalità si stempera nella possibilità di usare l’altra modalità; b) l’assetto difensivo per cui il paziente non vuole esporsi e non consente avvicinamenti altrui, è tutelato dal doppio codice che può anche rappresentare una doppia possibilità di nascondersi e di confondersi, quindi avere una funzione protettiva e tutelante. Quando il terapeuta conduttore offre ai partecipanti la possibilità di esprimersi anche attraverso la scelta delle stoffe, esercita ancora una funzione di tipo materno per quanto riguarda l’impostazione delle regole del gioco: la madre che conduce il gioco dei bimbi si assicura che anche quello che non ha partecipato o vinto in un primo giro possa poi trovare uno spazio di recupero e di affermazione in una fase successiva di gioco appositamente dedicata a lui, e nello stesso modo il terapeuta si preoccupa di riservare a ciascun paziente una possibilità di espressione. La molteplicità dei codici offerti (musicale, visivo e linguistico) permette a ogni membro del gruppo di trovare una modalità consona per partecipare. La gratificazione del paziente-bambino nel veder presa in considerazione dal terapeuta e dal gruppo dei pari la sua risposta alle sollecitazioni ricalca quella infantile di vedere il proprio disegno appeso sul muro, con un vissuto positivo di riconoscimento, autoaffermazione e integrazione nel gruppo.

Le parole analogiche La funzione materna del terapeuta conduttore ha come punto centrale il fatto che il terapeuta vive con il paziente l’emozione suscitata dal suono, lo affianca nella risposta cromatica della scelta delle stoffe, ma soprattutto restituisce quella emozione a lui e al gruppo elaborata in parole: come la madre che condivide il gioco del bambino in età prelinguistica e lo svolge in parole che nominano i suoi agìti. Attraverso l’amorevole conduzione della terapia-gioco e quindi delle emozioni affioranti, il terapeuta-madre viene a rappresentare per il paziente l’ Io ausiliario capace di costruire il veicolo espressivo linguistico, quello che consente la ‘lettura’, la riflessione, la comprensione delle dinamiche individuali e gruppali. La madre custodisce e protegge perché il bimbo possa acquisire nel gioco la sicurezza necessaria per scoprire e crescere; il terapeuta allo stesso modo garantisce il paziente, e lo invita ad esprimersi per tradurre poi le emozioni da lui provate con una verbalizzazione che sia accessibile e preservante. Ascoltare la musica, attribuirle un colore e esprimere a parole la scelta fatta, è un processo transcodice che attraversa la modalità acustica, quella iconica e quella linguistica con la rapidità e l’immediatezza propri del pensiero interno, quello intimo e non verbalizzato oralmente, quello che più aderisce al mondo primario costituito di affetti e di urgenze emotive. L’integrazione dei linguaggi analogici (acustico-visivo-tattile) si svolge attraverso passaggi sentiti come pressoché simultanei dagli attori ma in realtà ben graduati dalla conduzione del terapeuta, affinché sia possibile successivamente veicolare il mondo spontaneistico espressivo delle scelte soggettive in una formulazione linguistica che consenta la condivisione intersoggettiva all’interno del gruppo e l’elaborazione consapevole degli affetti affiorati. L’attribuzione linguistica al vissuto agìto nella seduta terapeutica è la manifestazione verbalizzata delle situazioni emotive di ciascuno e ed è finalizzata alla comunicazione fra i membri; per essere consona a tale vissuto, deve essere una verbalizzazione il più possibile aderente al mondo del pensiero interno, ove le parole sono lampi veloci che servono ad illuminare contenuti magmatici e in continuo divenire. Il terapeuta conduttore usa una verbalizzazione semplice, che sia comprensibile a tutti, ma che soprattutto conservi il calore emotivo e la immediatezza dell’analogico. Non si tratta dunque di una semantica forte, meramente denotativa e definitiva, ma di una semantica morbida, che consente di far aderire le parole alle emozioni, di scioglierle sulla fluidità dei suoni, di collegarle strettamente all’impressività dei colori, di associarle alla sensazione tattile. Quella del terapeuta è una lingua costruita con parole analogiche.

Improvvisazione sonoro-musicale ed espressione corporea I parametri più importanti in qualsiasi struttura musicale sono la melodia e il ritmo. La melodia rappresenta probabilmente la prima forma musicale apparsa sulla terra quando una madre ha per la prima volta cantato una nenia per il proprio bambino. Ma anche la struttura ripetitiva di un qualsiasi ritmo sembra connaturata alla psicofisiologia dell’uomo, nel suo ripetersi sempre uguale e rassicurante, potenzialmente all’infinito. Ma se la melodia entra in risonanza con gli aspetti più affettivi ed introspettivi dell’uomo, chiamando in gioco la voce e l’utilizzo del corpo nella sua metà superiore per poterla emettere, il ritmo sollecita istintivamente chiunque a muovere tutte le parti del proprio corpo attraverso le articolazioni, per sottolineare e marcare il battito così gratificante nel suo schematico essere presente, quasi a garantire una presenza che scongiuri l’assenza, una continuità costante al posto di un’imprevedibilità che evocherebbe l’incertezza della separazione se non dell’abbandono. Per questo l’interazione fra suono e musica da una parte, e corporeità dall’altra, risulta essere quella più diretta e immediata fra tutte, soprattutto se consideriamo il parametro del ritmo. La voce infatti, e quindi la melodia in quanto per definizione cantabile, viene vissuta spesso come espressione di un’interiorità ineffabile come l’aria di cui è fatta e da cui è trasmessa, che porta facilmente all’introspezione e cioè a rivolgersi ai contenuti più astratti della vita psichica; mentre il ritmo nel suo spingere il corpo a muoversi si propone per sua natura quale rappresentante e testimone del corpo nella sua fisicità concreta e sensoriale, sorgente e meta di stimoli piacevoli. Quindi utilizzare il suono e la musica in terapia consiste di fatto nel dover spesso gestire l’utilizzo anche del canale propriocettivo-corporeo. Molte persone, e fra queste la maggioranza dei pazienti con patologie neuro-psichiche causa di disinibizione comportamentale, non riescono a trattenere il bisogno di muoversi se immersi nell’ascolto di una musica ritmata; al contrario, moltissime persone “normo-nevrotiche” non riescono a rinunciare al controllo cosciente del proprio corpo, per cui restano irrigidite nelle situazioni in cui potrebbero sperimentare una maggiore integrazione fra corpo e mente, cosa che succede tipicamente nel ballo. Nel primo caso la musica al servizio del movimento diventa un’occasione incoraggiante per esprimersi sperimentando delle competenze psico-sensoriali migliori di quelle usate di solito, e di solito deficitarie (ritardo mentale, malattie neurologiche degenerative, ecc.) per cui viene usata quale strumento riabilitativo. Nel secondo caso invece, muovere il corpo non è inteso come risorsa già pronta per l’uso da sfruttare per migliorare l’autostima o facilitare le funzioni motorie, ma diventa un obiettivo da raggiungere poiché luogo in cui l’identità personale può recuperare aspetti di sé profondi trascurati o negati, attraverso la dimensione fortemente simbolica evocata dal vissuto corporeo durante il movimento. Ad esempio, utilizzando lo strumentario Orff in un setting di improvvisazione sonoro-musicale è possibile integrare con l’espressione corporea costituendo due sottogruppi: uno di questi improvvisa dove ciascun membro suona un solo strumento per tutta la durata della sessione, mentre l’altro sottogruppo si muove secondo i criteri dell’espressione corporea. La difficoltà di muoversi senza avere una conduzione ritmica o verbale in contemporanea, come invece avviene nella danza e nella psicomotricità, viene alleviata dall’espediente dell’improvvisazione sonoro-musicale che permette a ciascun elemento del secondo sottogruppo di seguire l’andamento sonoro di un singolo strumento, suonato da qualcuno nel primo sottogruppo nel corso dell’improvvisazione e scelto nel corso della sessione liberamente, senza doverlo dichiarare in precedenza né verbalmente. Succede così che si crea una dialogo non-verbale tra i due sottogruppi nell’insieme, fatto di coppie in cui uno suona il suo strumento e l’altro sceglie silenziosamente di seguirlo con i movimenti liberi del proprio corpo, creando intese spesso impreviste su cui dopo verbalizzare soprattutto se il contesto è psicoterapeutico. Succede anche che uno strumento venga seguito da più persone contemporaneamente oppure che non venga individuato da nessuno, come spesso è nella vita di tutti i giorni…

Arte e ascolto musicale Un’altra integrazione facilmente proponibile anche se non immediata come la precedente è quella in cui l’ascolto di un brano sufficientemente lungo faccia da stimolo per la rappresentazione grafico-artistica di un’immagine, una scena o di una creazione astratta. Spesso la musica ascoltata in un clima di rilassamento e di agio, in una situazione non formale, porta ad immaginare come in un sogno ad occhi aperti, e la verbalizzazione del materiale immaginato costituisce la base della tecnica della Musicoterapia Recettiva Analitica. Ma la difficoltà di mettersi in gioco nel gruppo, parlando esplicitamente del proprio mondo interno, rappresenta un ostacolo che a volte non è possibile superare per quanto il non-verbale musicale sia un potente mediatore. Allora il lavoro individuale, in gruppo ma in autonomia, su una superficie su cui sia possibile esprimere il proprio vissuto dilazionando la condivisione ad un momento successivo se davvero necessario, a volte è l’unico modo per un paziente di portare fuori un’interiorità altrimenti destinata a rimanere sigillata e ignota prima di tutto a se stesso.

Arte ed espressione corporea Fra tutti i linguaggi analogici, quello sonoro-musicale è il più ineffabile e intraducibile con le parole. Prova ne sia il fatto che le didascalie e le indicazioni sugli spartiti musicali prendono a prestito le parole proprie di altri canali sensoriali, ed anche l’approccio critico o semplicemente descrittivo alla musica ha sempre dovuto ricorrere ad aggettivi nati dalla sensorialità visiva e tattile-propriocettiva. Un brano musicale viene definito luminoso, leggero, aperto, pesante, veloce, lento, profondo, rigido, superficiale così come una sonorità evoca qualità visive o tattili e risulta scura, acuta, sbiadita, calda, opaca, colorita, dura, alta, morbida, bassa. Si suona forte, piano, un brano può essere ritmico, ma questo vale per qualsiasi stimolo sensoriale che può essere forte o ritmico. Si usano parole che la musica non possiede per sua natura, parole che esprimono un’ evidenza o una tangibilità che non sono proprie del suono, fatto di aria, invisibile e intangibile. Per questo probabilmente la musica evoca più comunemente per analogia la mente e la sua ineffabilità. E sempre per questo forse la musica riceve volentieri il sostegno e l’aiuto delle altre arti per farsi più concreta e comprensibile. Ma a sua volta la musica, che si muove nel regno del Tempo, può restare presente e invisibile in presenza dell’Arte e della Danza che invece si contendono lo Spazio, e si trova a far da connettivo fra queste, aiutandole a trovare un punto di coerenza nella dimensione temporale. Così, facendo lavorare un gruppo sull’espressione grafico-artistica utilizzando della musica come stimolo, si propone implicitamente un’esperienza di controllo sul proprio mondo interno favorendone la trasposizione a due dimensioni su di una superficie che, in quanto piatta, permette di percepire quella realtà come più tenue e sostenibile. E’ possibile però andare oltre la soddisfazione di questo bisogno di controllo, recuperando l’opera grafica e, attraverso la stessa musica che l’ha ispirata, tentare la rappresentazione nello spazio in tre dimensioni utilizzando soprattutto il proprio corpo e quello degli altri. L’emergenza dal foglio della fisicità reale può essere un’esperienza meno banale di quello che si potrebbe credere. Rappresentare o veder rappresentato concretamente, a tutto tondo, il proprio materiale cognitivo e affettivo subconscio espone ad una forma di consapevolezza che può essere profondamente terapeutica. E quindi intensamente turbativa.

Quindi l’Arte a volte rappresenta il movimento, la Danza può rappresentare l’ineffabile della mente, la Musica spesso dipinge e scolpisce, ma solo insieme possono evocare una vita.

||